'Closer': cuatro motivos para disfrutar de una película que no me genera empatía

Casi siempre que me pongo a ver una película cifro sus posibilidades de éxito conmigo en la empatía que puedan generarme los personajes. Cuanto más me interesan las vidas ajenas que veo, por distintas y distantes que sean a la mía, más disfrutaré con la película. Con Closer no me sucede nada parecido. Con ninguno de los cuatro personajes principales siento empatía alguna. Más bien siento una cierta antipatía. No siento la vida como ellos, no afronto las relaciones personales como ninguno de ellos. No sé ponerme en su piel. Pero me encanta la película. ¿Cómo puede ser eso posible? Hay cuatro razones que hacen que disfrute viendo las desventuras amorosas de estos cuatro personajes incomprensibles desde mi visión del mundo.

La primera razón es un reparto de lujo. Jude Law, Clive Owen, Natalie Portman y Julia Roberts. Ellos cuatro sostienen sin ayuda de más personajes secundarios los 100 minutos de película. De Jude Law admiro su capacidad para meterse en la piel de personajes tan diversos; puede ser un tipo duro o frágil, poderoso o débil, racional o pasional. De Clive Owen destaco su sobriedad; le toca un tipo duro y lo sostiene admirablemente, adaptándose a cada conversación con los distintos personajes con una facilidad asombrosa. De Natalie Portman lo admiro todo; hay pocas actrices que lloren tan bien o que sonrían tan bien en una pantalla, es una actriz inmensa, a la que adoro desde que era una niña (una Beautiful girl, en realidad). De Julia Roberts destacaría que, sin ser santo de mi devoción, no lastra la película; y eso es mucho decir.

La segunda razón es un guión sencillamente maravilloso. Es una película de diálogos. Ingeniosos, duros, ácidos, banales o trascendentes. Da igual. Hay de todo en esta película. Desde la delirante y divertidísima conversación a través del chat entre los dos personajes masculinos hasta las más tiernas conversaciones de enamorados, pasando por los durísimos cruces de palabras en los momentos de la ruptura. La conjunción de tonos tan diversos es un truco de magia. Tantas sentencias admirables contiene esta película, que es imposible destacar una sola frase de esta historia de extraños que jamás llegan a conocerse.

La tercera razón es el montaje y el uso de la elipsis. Vemos nada menos que cinco años en la vida de estos cuatro personajes. Los saltos en el tiempo son los más naturales, precisos y adecuados que he visto en mucho tiempo. La información que recibimos es la necesaria, la que es imprescindible conocer para seguir el ritmo de la historia. Lo que no sabemos lo iremos descubriendo en base al avance del guión y con acertadísimos flashbacks. Un auténtico lujo que debemos a Mike Nichols, director veterano pero al todavía que le queda mucha fuerza narrativa y cinematográfica que enseñar.

Y la cuarta razón es uno de los mejores comienzos que ha deparado el cine moderno. Es imposible ver los dos primeros minutos y medio (¿a quién no le ha sucedido algo similar, que se le vaya la mirada con una persona desconocida que vemos por la calle y a la que en ese momento sabemos que nunca jamás volveremos a ver?), los que enseña el vídeo colgado aquí abajo, y no sentir curiosidad por saber qué pasa de ahí en adelante. El resto está a la altura. Una pequeña joya moderna.

'Robocop': ¿El futuro o los años 80?

En la segunda mitad de los años 80 llegó Robocop. Antes de producirse, nadie quería hacerla. Cuando se estaba rodando, los problemas dificultaron en exceso su estreno. Y después de que llegara a los cines, la recepción fue fantástica. Robocop nace como una película de serie B muy típica de los años 80, tanto en la temática como en el aspecto visual, pero se ubica, como tantas otras películas de su tiempo, en un futuro no muy lejano. ¿El futuro o los años 80? Ambas cosas, habría que decir. Ese es el valor actual de una película muy apreciada también en su momento como lo que es, una película de ciencia ficción con un trasfondo más profundo y que rebosa violencia por los cuatro costados, la violencia que se convirtió en la imagen de marca del director Paul Verhoeven.

Nunca queda del todo claro en qué año se desarrolla la película, pero es obviamente un futuro no muy lejano. El lugar, la ciudad de Detroit, asolada por el crimen. Quizá uno de los elementos más clarividentes de Robocop sea la presencia de la OCP, una corporación privada que lleva asuntos públicos, en este caso, el funcionamiento de la Policía de Detroit. La OCP quiere dar un paso más, que la seguridad de la ciudad tenga agentes no humanos. Pero los fallos del robot construído para ese fin (un majestuoso ED-209 realizado mediante técnicas de stop motion, las mismas que hicieron de Ray Harryhausen una leyenda en el campo de los efectos especiales) obligan a abordar otro proyecto, la creación de un ciborg, mitad hombre y mitad máquina. El asesinato de Murphy, un policía recién llegado, será la oportunidad esperada.

Vista desde un punto de vista superficial, Robocop no deja de ser el típico entrentenimiento de ciencia ficción de los años 80. El guión está plagado de lugares comunes y situaciones tópidas que pueden reforzar ese sentimiento. Pero a otro nivel, Robocop es un muy interesante ejercicio de identidad, una lucha entre la humanidad y la frialdad de la máquina. En este sentido, a Verhoeven siempre le ha gustado destacar la importancia de la secuencia en la que Robocop, una vez asumido que antes fue un hombre llamado Murphy, visita la vacía casa que ocupó junto a su familia. Los recuerdos se agolpan. El hombre, sus miedos y sus sueños, van venciendo a las órdenes programadas. Había otra secuencia prevista para reforzar esa idea, la de Robocop visitando la tumba de Murphy, pero no llegó a rodarse.

Si bien se trata de una película futurista en la que vemos ciborgs y robots, lo cierto es que la estética es muy ochentera en casi todos sus aspectos. Y también la temática. La violencia en las calles o la apuesta armamentística es muy propia de los años de gobierno de Ronald Reagan, aunque, por desgracia, nada de esto ha perdido actualidad en nuestro días. Y lo mismo se puede decir de los yuppies tan bien reflejados en el enfrentamiento directivo en la OCP. Paul Verhoeven ve una lectura más en la película, una de carácter religiosa. El director compara a Robocop nada menos que con Jesús, ve similitudes en su martirio, en su muerte y en su resurrección (pretende ser una señal en este sentido el plano en el que se le ve, enfrentándose al hombre que le ha matado como hombre, caminando sobre las aguas). Para esto hay que echarle mucha imaginación, pero lo cierto es que subyace también esa interpretación.

Pero si algo es Robocop es una auténtica película de serie B, una de las muchas realizadas en los años 80 y que han encontrado un hueco en la historia de la ciencia ficción. El escaso presupuesto no le daba al director, así que, para conseguir más dinero y tiempo para rodar la película, decidió dejar para el final una escena que no se podía eliminar, el tiroteo al cuerpo de Murphy que da inicio a la vida de Robocop. A pesar del poco dinero disponible, los efectos especiales creados por Rob Bottin y Phill Thippett son sencillamente magníficos, como la iluminación de los directores de fotografía Sol Negrin y Jost Vacano, que siempre encuentra reflejos que destacar en la piel metálica de Robocop.

Después de meses sin encontrar a un actor adecuado para el papel (se pensó en Arnold Schwarzenegger, seguramente por influencia de Terminator, pero se le descartó por ser demasiado grande y musculoso), se acabó contratando a Peter Weller, que desde el principio tuvo claro el tipo de movimiento corporal del que quería dotar a Robocop. Pero hubo problemas desde el principio. El pesadísimo traje, que le hacía perder al actor casi un kilo y medio cada día por la deshidratación, llegó al rodaje justo el día que la cámara empezaba a grabar. Pero la sorpresa llegó cuando Weller comprobó que el traje no le permitía moverse como había ensayado. Al final, un retraso de un par de días le dio tiempo a perfeccionar unos movimientos que hoy son la esencia del personaje.

El retraso en la contratación de Weller no fue el único problema en el reparto. Stephanie Zimbalista (la actriz protagonista de la serie Remington Steele) fue la escogida para el papel de la agente Anne Lewis, pero podos días antes del comienzo del rodaje abandonó la película. Hoy es difícil imaginarse a una actriz de aspecto más frágil haciendo éste papel, sobre todo después de tantos años viendo a Nancy Allen como la finalmente escogido. Era una actriz conocida por papeles más desagradables y menos heróicos que el de Lewis y por sus rubios rizos. Para romper con esa imagen, lo primero que hizo Verhoeven fue pedirle que se cortara el pelo. Si los personajes calaron en la audiencia, también lo hizo la música de Basil Poledouris, que creó una pegadiza marcha para el personaje.

Verhoeven acabó convencido de que su primera película americana es la mejor que ha rodado nunca en Estados Unidos, pero al principio no quiso hacerla. Pensaba que el guión era una basura y fue su mujer quien le convenció para que la hiciera. No deja de ser curioso que, de hecho, marcara la tendencia de un director como éste, que hasta entonces no había hecho ciencia ficción (ni tenía mucho intereés por hacerla) y hoy es famoso gracias a ese género, después de películas como Desafío total o Starship Troopers. Con ésta segunda compartió Robocop el análisis de fascista que se hizo desde algunos sectores. Hay mucha violencia, sí, incluso tendencias algo reaccionarias, pero no deja de ser la manifestación del deseo del director de que la violencia se vea en pantalla. No hay mucho más detrás de eso.

Robocop ya ha tenido dos secuelas. La primera, más apreciable de lo que fue apreciada en su día, contó, en una de sus primeras incursiones en el mundo del cine, con un guión de Frank Miller (genio del cómic, codirector de Sin City y ahora director en solitario de la futura The Spirit). Robocop 3, en cambio, fue un enorme fiasco, una película con un tono de violencia irrisoriamente rebajado y un serio déficit de imaginación y presupuesto. Ahora se habla de la posibilidad de hacer una nueva película, ya que Robocop forma parte de los planes de futuro de la renacida Metro Goldwyn-Meyer. Habrá que esperar un tiempo para saber si se trata de una secuela o de un remake de la película original, un nuevo lanzamiento de una saga que en los años 80 se hico su hueco en los corazones de los aficionados a la ciencia ficción.

La última gran aventura clásica

John Huston siempre rodó películas de aventuras. Desde La Reina de África hasta El halcón maltés, pasando por Moby Dick o El tesoro de Sierra Madre. De distintos géneros, pero siempre aventuras. Él mismo era un aventurero y su cine lo reflejaba perfectamente. Sin saberlo quizá en aquel momento, en 1975 estrenó la última gran aventura cinematográfica del cine clásico hollywoodiense. Porque exactamente eso, y no otra cosa, es El hombre que pudo reinar. Michael Caine siempre ha dicho que si hay una película por la que la gente le recordará será ésta, porque, después de verla, todos decimos aquello de "ya no se hace cine como éste". Y es verdad, ya no se hace.

Pero costó mucho hacerla. Muchísimo. John Huston, apasionado lector de Kipling (se basa en un relato suyo), quiso emprender el proyecto en los años 40. Entonces su pareja protagonista habría sido Humphrey Bogart y Spencer Tracy (dos genios que sólo coincidieron en Río arriba, en 1930). Lo quiso hacer en los años 50, y entonces el dúo ideal de Huston lo componían Bogart y Clark Gable. En los 60 también lo intentó, y la pareja habría sido la formada por Burt Lancaster y Kirk Douglas. A comienzos de los 70 hubo un intento más, y se contactó con Paul Newman. Él declinó hacer la película porque entendía que los protagonistas debían ser británicos, como los personajes. Y sugirió dos nombres: Sean Connery y Michael Caine. El resto es historia.

Caine y Connery son dos actores brillantes, majestuosos. Dos auténticos genios de la ironía, de la mordacidad, de la tragedia y también de la comedia. Ellos sustentan el peso de una película brillante, divertida, emocionante, colosal en una palabra. El guión es una auténtica maravilla, pero cuesta imaginar lo que hubiera sido El hombre que pudo reinar en manos de otros actores. Claro que para eso ya estaba John Huston, para elegir a los mejores, como siempre había hecho a lo largo de una carrera en la que trabajó siempre con los más grandes. "Muchas de las escenas eran sólo entre ellos dos, y las ensayaban por la noche. Juntos elaboraban el trabajo de antemano de tal modo que lo único que yo tenía que hacer era decidir cómo colocar la cámara", dijo una vez Huston.

Ellos consiguen hacer creíble la rocambolesca historia de dos truhanes británicos, ex soldados del imperio, que parten desde la India, atravesando Afganistán, con el único objetivo de ser coronados como reyes de Kafiristán, una tierra que ningún occidental ha pisado desde Aljandro Magno ("¿Alejandro qué?", pregunta el personaje de Caine a Kipling, quien le responde explicándole quien és y les alerta de que nadie más consiguió llegar allí. "Si un griego pudo, nosotros también", es la inmensa réplica de Caine). Es imposible no ir cogiendo cariño a estos dos viejos tramposos según se van sucediendo los pasajes de su aventura, es imposible no sonreír ante cada golpe del destino que sufren, ante cada nuevo escenario que contemplan, ante cada diálogo brillante que dicen con una naturalidad propia sólo de los genios.

Visualmente, la película es una auténtica maravilla. Que Huston sabía colocar la cámara es algo que cualquier apasionado del cine puede decir. Pero dos nombres más hicieron posible que la película brille como lo hace, incluso más de 30 después de haberse estrenado, porque ésta es una película que nunca envejecerá. Se trata de Ben Bart, responsable de la dirección artística (incluyendo no sólo los escenarios sino también las joyas y demás ornamentos), y Edith Head, encargada del vestuario (un nombre mítico por sus 35 nominaciones al Oscar y ocho estatuillas que tiene en haber, por películas como Eva al desnudo, Sabrina o El golpe).

La película, por cierto, se rodó en Marruecos, en el pueblo de Ouarzazate, conocido como el Hollywood marroquí por la cantidad de producciones que se han realizado allí, algunas de las más recientes Gladiator o El reino de los cielos. Allí encontró Huston al hombre que daría vida al sumo sacerdote de Sikandergul, un tipo que tenía nada menos que 103 años. Cuando Huston terminó la película, hizo un pase para él y otros ancianos que aparecen junto a él en la película, y le pidió al intérprete que les preguntara que les había parecido. "Después de esto, nosotros nunca moriremos", fue lo que le dijeron a Huston los ancianos. Y es verdad. Ese es el mágico poder que tiene el cine. Y más si es una película de John Huston.

Una curiosidad patria para acabar. El hombre que pudo reinar no es el título original exacto de la película. The man who would be king debiera haberse traducido como El hombre que sería rey. Pero, claro, la película se estrenó en España apenas unos meses después de que Franco muriera, y la mención del "rey" podía no gustar en los sectores más franquistas de la sociedad de la época.

Las caras que Oliver Stone pone a Bush y compañía

Oliver Stone ya está perfilando el reparto de W, la película biográfica que está preparando sobre el presidente norteamericano, George W. Bush. Será el tercer presidente que Stone refleje en sus películas, después de haber hecho JFK (Kennedy sólo aparecía en imágenes de archivo) y Nixon (Anthony Hopkins era el actor que se metió en la piel del entonces inquilino de la Casa Blanca). Los nombres escogidos por Stone no tienen desperdicio, y conforman un reparto de lo más interesante. Ahora bien, está claro que ha buscado visiones mucho más atractivas que la realidad en la mayoría de los casos...

Josh Brolin dará vida a Bush. Brolin se ha destapado como uno de los actores más interesantes del momento, gracias a sus papeles secundarios en películas como American gangster o En el valle de Elah, o su protagonista de No es país para viejos.

Elizabeth Banks no es un nombre excesivamente conocido, aunque ha tenido apariciones importantes. Por ejemplo, era la secretaria de Jameson en las tres entregas de Spider-Man y tenía un pequeño papel en Atrápame si puedes, de Steven Spielberg. Dará vida a Barbara Bush, esposa de George W. Bush.

James Cromwell es un actor de sobra conocido. Desde que allá por 1995 protagonizara Babe, ha aparecido en multitud de películas como secundario. En Pánico nuclear, la última aparición cinematográfica del agente Jack Ryan, ya ejerció de presidente de Estados Unidos. Ahora será Bush padre.

Ellen Burnstyn, la protagonista de El exorcista que lleva unos cuantos años sin hacer papeles de demasiada relevancia, volverá por la puerta grande de la mano de Stone. En W será Barbara Bush, esposa de Bush padre y madre del todavía presidente de los Estados Unidos.

El ex primer ministro británico Tony Blair tendrá nuevo rostro. En La Reina fue Michael Sheen quien le dio vida, y, de hecho, se ha hablado de una nueva película en la que repetiría papel, ésta centrada en el propio político británico. En la película de Oliver Stone, Tony Blair será Ioan Gruffudd, protagonista de Los 4 Fantásticos.

El último papel adjudicado que se ha conocido hasta el momento es el de Condoleezza Rice. Thandie Newton, conocida por Misión Imposible 2 o Crash, es la actriz que se lo ha adjudicado. La diferencia de atractivo entre personaje real e intérprete es aquí más acusada que en los demás papeles.

-

Quedan jugosos papeles todavía por adjudicar, como son los del vicepresidente Dick Cheney o el secretario de Defensa Donald Rumsfeld. Y como se dice que la película tendrá numerosas escenas relacionadas con la guerra de Irak (que serán en las que aparecerá Tony Blair), me sigo preguntando si José María Aznar tendrá protagonismo en la historia... ¿Hay algún actor que pueda parecerse a nuestro ex presidente del Gobierno...?

Adiós a un grande, Charlton Heston

Cuando muere un actor tan conocido como Charlton Heston, las crónicas se ocupan de decir lo que todo el mundo ya sabe de él. Las principales películas que ha protagonizado. Sus papeles que han pasado a la historia. Sobra que yo añada algo más a todo lo que se ha escrito ya de este mítico actor, que ha muerto a la edad de 84 años, después de unos cuantos luchando contra el Alzheimer que primero le apartó de las pantallas de cine y más tarde ha acabado con su vida. Pero es que se ha ido un grande, uno de los últimos actores del Hollywood más clásico, de ese con el que hemos crecido muchas generaciones. Y se merece un emotivo recuerdo.

Teniendo en cuenta el dominio del doblaje en España, no mucha gente conocerá su voz, profunda y dura, tan propia de los personajes fuertes que siempre interpretó. Echad un vistazo a algún DVD en versión original y disfrutad con su voz. Nadie la llamaba Charlton. Todo el mundo prefería Chuck. Todo el mundo salvo una persona, su esposa y ahora viuda, Lydia Clarke, que le llamaba Charlie.

Pudo haber interpretado el papel principal de la serie Yo, Claudio, o de películas como Tiburón (lo rechazó, al igual que Oliver Reed), Alejandro Magno (prefirió hacer Los diez mandamientos), 1941 (porque entendía la película como un insulto a los veteranos de la Segunda Guerra Mundial), Superman (los productores optaron por Marlon Brando), La profecía, Sólo ante el peligro o El Álamo (papel que no quiso hacer por las connotaciones políticas de la película). Pero no formar parte de estas grandes películas no mermó en absoluto su carrera.

Cuando en 1960 protagonizó una obra de teatro dirigida por Laurence Olivier, éste le dijo a Heston que tenía potencial para ser el mejor actor americano del siglo XX. Heston volvió al día siguiente con malas críticas de la obra y le preguntó a Olivier si él había aprendido a olvidar esas malas críticas cuando le llegaban. "Lo que es más importante, amigo, y mucho más duro es olvidar las buenas", le respondió. Heston nunca abandonó el teatro por la pantalla grande y, de hecho, hizo su último papel sobre las tablas en 1999, junto a su esposa.

Dijo que su peor película era La selva blanca, de 1972. Pero todos le recordaremos siempre por las buenas. Por ser un Ben-Hur majestuoso. Por su papel de Taylor en El planeta de los simios (y por formar parte, como simio, en un precioso cambio de roles, en el remake que hizo Tim Burton). Por el Moisés que separaba las aguas del Mar Rojo en Los diez mandamientos. Por el detective Vargas de Sed de Mal. Por ser la imagen cinematográfica de El Cid. Por ser El último hombre vivo en aquella peculiar y setentera versión de Soy leyenda. Por formar parte del impresionante reparto del Hamlet de Kenneth Branagh. Por tantas horas de sueños y de historias inolvidables.

Él mismo dijo que "el minuto en el que sientas que has dado una actuación floja, es el momento de retirarse". Mientras su salud se lo permitió, nunca se retiró. Porque Charlton Heston siempre fue Charlton Heston. "Puedes vivir toda una vida, pero si eres honesto contigo mismo, tu trabajo nunca será perfecto", dijo también. Perfecto o no, él era un grande que seguiremos viendo en las películas. Hasta siempre.

'Náufragos', o cómo rodar una espléndida película de suspense en un bote salvavidas

A Hitchcock le encantaban los retos. Lo que quería por encima de todo era sorprender a la audiencia y para ello nada era intocable. No lo era la estrella, que podía morir en un asesinato antes de la mitad de la película. No lo era la música, que podía no aparecer sin que nadie la echara en falta. No lo era el reparto, que podía estar repleto de nombres desconocidos. No lo era la estructura cinematográfica, que podía quebrar completamente la clásica estructura de tres actos o incluso en el montaje, rodando en larguísimos planos sin corte. Y no lo era tampoco el escenario. Hitch podía rodar en decenas de ellos para una sola película, desde los más famosos hasta los más intimistas, o en uno solo. Náufragos sólo tiene un escenario. Un bote salvavidas. Apenas una decena de personajes en todo el metraje. Y es una maravilla de película.

Náufragos no fue entendida en su estreno y muchos críticos de la época (se estrenó en 1944) la despedazaron... precisamente porque no captaron el mensaje. Hitchcock quiso hacer su contribución a la lucha contra el nazismo. Y la hizo mediante una metáfora del momento histórico, por lo visto demasiado sutil para algunos. Vista hoy sorprende que alguien pensara incluso que los nazis la podrían haber utilizado para sus propósitos, pero así se llegó a publicar en Estados Unidos. Paradójicamente, en Alemania no se pudo llegar a ver la película hasta el año 1974, ya en televisión. Para el doblaje germano, y como en algunas escenas se hablaba alemán, se pretendió que el náufrago nazi era en realidad en holandés que se había enrolado en el ejército de Hitler.

Lo realmente prodigioso de Náufragos no es sólo que mantenga la tensión en un escenario único tan pequeño como es un bote salvavidas que recoge a un pequeño grupo de supervivientes de un barco hundido por un submarino nazi. Lo increíble es la verosimiltud de todos y cada uno de sus planos. Aunque se rodó en el interior de un estudio, la barca siempre se está moviendo como si la estuviera meciendo el oleaje marino (eso y el agua provocó que todos los miembros del equipo sufrieran mareos, y más de uno incluso neumonías), por orden expersa del director. Y tan increíblemente verosímil como el movimiento es el cambio de ángulo para cada plano. Hithcock hace la barca tan grande como quiere y es capaz de ofrecer planos desde todos los ángulos.

Quizá sea una de las películas más desconocidas de Hitchcock (lo que permite el maravilloso gustazo de poder descubrirla todavía hoy, seis décadas después de su estreno), pero también es uno de sus títulos que más reconocimiento obtuvo de Hollywood. No ganó ningún Oscar, pero tuvo tres nominaciones (director, guión original -el escritor John Steinbeck es el autor del libreto- y fotografía en blanco y negro), lo que no está nada mal para un director frecuente y tristemente repudiado por la Academia. Talullah Bankhead, el nombre más conocido del reparto en aquella época (más como actriz de teatro que de cine), logró el premio a la mejor actriz concedido por el Círculo de Críticos de Nueva York.

Una anécdota memorable del rodaje Náufragos es una conversación que habla y mucho del carácter de su director. Una de las actrices de este filme (ninguna de ellas cumple precisamente el arquetipo rubio de la mujer soñada por el director, que se acercaba muchísimo a la imagen de Grace Kelly), Mary Anderson, le preguntó a Hitch cuál era su mejor lado para rodar sus planos desde ese ángulo. "Estás sentada en él, querida", le contestó el realizador. La historia no ha recogido la respuesta de Anderson ante este comentario, tan machista como ácido. Anderson nunca llegó a hacer una gran carrera en el mundo del cine, aunque antes había llegado a aparecer en Lo que el viento se llevó.

Sabido es que a Hitckcock le encantaba hacer un cameo en todas sus películas. ¿Y cómo puede hacerse esa breve aparición en una película que tiene por único escenario un bote salvavidas...? Fácil, al menos para el mago del suspense: apareciendo en un periódico que lee uno de sus naúfragos, en un anuncio de un producto para perder peso. ¡Y ambas fotos son reales y del famoso realizador, puesto que el propio Hitchcock se había puesto a dieta antes de rodar esta película! Sin duda alguna, uno de sus cameos más logrados y divertidos, que incluso propicio que el estudio que se encargó de la película, 20th Century Fox, recibiera cartas preguntando por estas píldoras para adelgazar que, claro está, no existían...

El primer y para muchos mejor Bond... ¿villano de Bond?

El cine depara, de vez en cuando, paradojas divertidísimas. ¿Cómo si no habría de interpretarse que Sean Connery pueda ser el villano de una futura película de James Bond? Nada es seguro todavía. El Daily Mail acaba de publicar unas declaraciones del propio Connery apuntando la posibilidad de regresar a la saga pero en el bando opuesto, como malo de la función. Y, por mucho que duela al hablar de un actor de la categoría de Connery, es obligatorio recordar el principal intento de este intérprete de ser la némesis del héroe en una película, la horripilante adaptación cinematográfica de la mítica serie Los Vengadores.

Hecho ese triste paréntesis, es obvio que hay pocas personas como Sean Connery que puedan conocer mejor la saga de James Bond, después de haber dado vida al espía británico en siete ocasiones. Y, además, a Connery le gusta el giro que se ha dado en la historia y el nuevo agente 007 del siglo XXI. "Daniel Craig es una elección fantástica. Creo que van a volver a un tipo de película de Bond más realista, no creo que pudieran haber ido mucho más lejos con los efectos especiales", explica el actor escocés.

¿Y de qué depende que Connery vuelva a la saga de James Bond? Como siempre, del sueldo, y más teniendo en cuenta que Connery es hoy un actor retirado que, incluso, rechazó participar en la cuarta entrega de Indiana Jones (dijo entonces que era muy difícil sacarle de su retiro y que si había un papel que podría haberlo hecho era precisamente el de Henry Jones Senior). "No me importaría volver como villano, pero no creo que me pagasen el suficiente dinero", añade Connery, como si quisiera frenar la más que segura euforia que vivirán en estos momentos los seguidores del agente secreto más famoso y rentable de la historia del cine. Al parecer, el escocés suele pedir cheques de más de 10 millones de euros para sacarle de su retiro.

-

Sin ser un gran seguidor de la saga, admito que ver a Connery enfrentándose a Bond me parecería fantástico. Pero si no es posible (por razones económicas o de salud; hay que recordar que Connery se ha enfrentado a un cáncer de gargante del que afortunadamente se declara recuperado), es obligado que los productores de la mítica saga le ofrezcan, al menos, un cameo. De momento, los actuales responsables de Bond se han reunido con Connery para hacerle llegar sus ideas. No sería, en todo caso, para la próxima entrega de la saga, Quantum of solace, que ya se está rodando, sino para un título futuro.

10 PELÍCULAS... que hacen su peculiar homenaje a 'Star Wars'

Decir a estas alturas que Star Wars cambió la historia del cine no es descubrir algo nuevo. Decir que influyó de forma decisiva a un par de generaciones de los actuales directores de cine, tampoco. Muchos han querido dejar constancia de su admiración por la saga galáctica de George Lucas con los más dispares homenajes a Darth Vader, Luke Skywalker y compañía. Son innumerables los que se han visto en las tres últimas décadas, y no sólo en el mundo del cine, sino también en el de la música o la televisión. A veces son diálogos, a veces imágenes, a veces chistes más o menos privados. Estas son, por orden alfabético, diez películas que hacen su peculiar homenaje a Star Wars.

-

CLERKS (1994), DE KEVIN SMITH

Casi toda la filmografía de Kevin Smitg está plagada de referencias a Star Wars (incluso en el título de una de sus películas, Jay y el Silencioso Bob contraatacan, haciendo referencia al Episodio V), pero la más recordada por los fans es la de Clerks. En esa película se ve a dos de sus protagonistas manteniendo uno de los debates más clásicos de los aficionados a la saga galáctica, qué episodio es mejor, si El Imperio contraataca o El retorno del Jedi. Y debatiendo también sobre la cantidad de personal civil que tuvo que matar la rebelión al destruir la segunda Estrella de la Muerte, todavía en construcción...

COCOON (1985), DE RON HOWARD

Star Wars ha dejado frases inolvidables, pero destaca una por encima de todas las demas: Que la Fuerza te acompañe. En el cine se ha escuchado muchas veces, pero particularmente simpática fue la del final de Cocoon. Cuando los alienígenas se disponen a marcharse de la Tierra con ese grupo de jubilados que ansían la eterna juventud, el personaje de Steve Guttenberg, capitán del barco que alquilaron para encontrar a sus compañeros ocultos en el fondo del mar, se despide de la única mujer de la expedición con esa frase. ¿Qué mejor forma de despedir a alguien que no es de la Tierra que con ese deseo...?

E.T. EL EXTRATERRESTRE (1982), DE STEVEN SPIELBERG

Sabido es que Steven Spielberg y George Lucas son grandes amigos desde hace muchísimos años. Por eso, no extraña ver constantes guiños a Star Wars en las películas de Spielberg. La broma privada más celebrada fue la de E.T. En la fiesta de Halloween, el entrañable ser de otro planeta, disfrazado de fantasma con una sábana, ver a un chaval disfrazado de Yoda. Y se va detrás de él diciendo "mi casa, mi casa". Lucas le devolvió la gracia a Spielberg en el Episodio I, La amenaza fantasma, incluyendo una delegación de E.T.s en el Senado Galáctico.

EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA (1981), DE STEVEN SPIELBERG

Uno de los guiños más desconocidos a Star Wars es el que incluyó Spielberg en En busca del Arca perdida. ¿Cómo enlazar Star Wars con la historia de un arqueólogo que está buscando el Arca en la que Moisés depositó las tablas de los diez mandamientos? Muy sencillo. Se busca una pared llena de jeroglíficos y se coloca, a la vista pero pasando desapercibido, un relieve con la forma de R2-D2 y C-3PO. ¿No lo vísteis? Pues está en la foto, en la columna que hay a la izquierda de Indy, justo a la altura del hombro del arqueólogo más famoso de la historia del cine...

ENCUENTROS EN LA TERCERA FASE (1977), DE STEVEN SPIELBERG

El primer guiño de Spielberg a Lucas fue en una película que se estrenó el mismo año que el primer episodio de la saga galáctica. En la espectacular e inolvidable secuencia final de Encuentros en la tercera fase, la de la llegada de la nave nodriza, un detalle se le pasó a mucha gente. Cuando vemos por primera vez esa inmensa nave se puede apreciar (en la foto junto a los focos) una unidad R2 pegada boca abajo al casco. Es la primera vez que se vio a un astrodroide con esa función. Para ver algo similar en la mitología de Star Wars hubo que esperar al Episodio I, en 1999, cuando varias unidades R2 trataban de reparar la hipervelocidad del crucero de la reina Amidala, de Naboo.

ERAGON (2006), DE STEFEN FANGMEIER

Tras el asesinato de su tío, a manos de las fuerzas de un malvado tirano, un joven decide buscar su destino junto a un anciano maestro que le ayudará a controlar sus nuevos poderes. Para ello, tendrá que salvar a una valerosa y hermosa joven, cautiva de ese dictador y unirse a la rebelión. ¿La guerra de las galaxias? Sí, pero también Eragon. Toda la película (y todo el libro en el que se basa) es un guiño continuo a la historia de Star Wars. Pero el mejor homenaje es este plano, del joven protagonista antes de emprender su epopeya, mirando la puesta de sol. Luke Skywalker hizo lo mismo en Tatooine en el Episodio IV.

MEN IN BLACK (1997), DE BARRY SONNENFELD

Men in black se basa en que, sin saberlo, estamos rodeados de alienígenas. Muchos famosos son, en realidad, seres de otros mundos que viven en la Tierra. En la agencia que controla su presencia en nuestro planeta, se llega a ver un inmenso panel con el que los agentes especiales del Gobierno norteamericano controlan a varios de ellos. Y George Lucas, como no podía ser de otra forma, es uno de esos extraterrestres. Le vemos, de hecho, trabajando en el guión del Episodio I. Bien pensando, esto explicaría muchas cosas de su prodigiosa imaginación para crear universos como los de Star Wars...

REGRESO AL FUTURO (1985), DE ROBERT ZEMECKIS

Cuando Marty McFly viaja desde los años 80 a los 50, tiene la ventaja de tener una información cultural que sus futuros padres no tenían en ese momento... Y como tiene que convencer a su padre de que salga con su madre para seguir existiendo, puede recurrir al miedo de los Sith. De esta guisa se presenta en casa de su futuro padre para decirle que es Darth Vader y que tiene una misión para él: llevar a su futura esposa al famoso baile. Claro que el amigo Marty no debía llevar muy bien la vieja rivalidad entre Star Wars y Star Trek... Dice ser Darth Vader, pero también que viene del planeta Vulcano y hace el saludo que tantas veces vimos hacer a Spock...

TITÁN A.E. (2000), DE DON BLUTH Y GARY GOLDMAN

Cualquier película de ciencia ficción que se haya hecho después de 1977 ha tenido que sufrir las inevitables comparaciones con Star Wars. Titán A.E. es quizá una de las que más y mejor se haya acercado al espíritu desenfadado de la primera entrega de la saga galáctica. El homenaje, además de la historia en si misma, se puede ver en la imagen. ¿A qué os recuerda una parte de esos deshechos espaciales...? ¿No es la mismísima Estrella de la Muerte lo que se puede ver justo abajo en el centro de la foto...? ¿Quién habrá sido el rebelde que habrá tirado a la basura una estación espacial tan poderosa como ésa...?

TOY STORY 2 (1999), DE JOHN LASSETER

Son muchos los guiños en Toy Story a Star Wars, sobre todo en la secuela de la maravillosa película de Pixar. La escena inicial, la de Buzz Lightyear adentrándose en la fortaleza de Zurg tiene muchos que pueden pasar muy desapercibidos. Ahí se puede escuchar el sonido de la respiración de Darth Vader, de los blasters o de los sables de luz. Pero el guiño definitivo es cuando Buzz y Zurg se ven las caras. El héroe se niega a rendirse y acusa al tirano de haber matado a su padre. La respuesta de Zurg... ¿Realmente hace falta que diga cuál es la respuesta de Zurg...?

'10.000', una correcta aventura

Cada vez que llega a los cines una película de Roland Emmerich, los críticos se frotan las manos. ¡Es hora de despedazar un estreno! Por eso, esta vez el director ha adoptado medidas preventivas: los críticos no pudieron ver la película antes del estreno. No hubo pase de prensa. Quizá así Emmerich ha conseguido algún espectador más porque, efectivamente, en cuanto la han visto, los críticos han masacrado 10.000. Y tampoco es para tanto, la verdad, porque 10.000 es una correcta película de aventuras, sin más, algo vacía pero lo suficientemente espectacular como para llenar algo menos de dos horas de entretenimiento. Pero ya se sabe que la crítica es así...

Emmerich se dio a conocer con Stargate (antes había hecho Soldado aniversal, pero aquella , mucho más que una película de su director, era el título que unía a dos de los forzudos de moda en los 80, Jean-Claude Van Damme y Dolph Lundgren), una entretenidísima aventura de ciencia ficción. Después realizó Independence Day, un filme que la gente se tomó demasiado en serio para disfrutarlo en su justa medida. El patinazo de Godzilla fue enorme (ni pies ni cabeza en una grandilocuente demostración de que el dinero no garantiza una buena obra de acción), y después dirigió El patriota (la única de todas estas que no he visto) y El día de mañana (sin ser nada del otro mundo, mejor de lo que esperaba). Emmerich no un director ni bueno, ni malo. Es un correcto profesional que un día se creyó muy bueno pero que tampoco es tan malo.

10.000 recupera para el cine el periodo de la prehistoria, ese que tantos delirios provocó en los años 60 con películas del tipo Hace un millón de años (con una espectacularmente imposible Rachel Welch), esas en la que los dinosaurios eran la principal preocupación de los hombres de la época. La película de Emmerich no tiene tampoco rigor histórico alguno (ni en el argumento, ni en los escenarios ni en el aspecto visual de los personajes). Pero aceptado ese lastre (cada día más inevitable en el cine actual, especialmente en el norteamericano), no deja de ser una correcta película de aventuras, en la que un hombre se enfrenta al destino por el amor de la mujer que quiere y por la libertad de su pueblo.

El guión es bastante tópico, pero avanza con cierta corrección. Los actores, ninguno de ellos demasiado conocido, simplemente cumplen con lo que se les pide: actuar con cierta credibilidad frente a una pantalla verde que después se rellenará en postproducción con el entorno fantástico en el que transcurre la historia. Lo mejor, sin duda, son las escenas de masas en el tramo final del filme, que recuerdan al cine de otra época. Porque, a pesar de los efectos especiales por ordenador (bastante visibles en las apariciones del tigre de dientes de sable o las de los mamuts), el tono que Emmerich le da al filme pretende ser bastante clásico. Los movimientos de cámara son pausados, la acción se ve perfectamente, se prescinde del ritmo de videoclip que tanto daño ha hecho en el cine moderno de acción y aventuras.

Emmerich se permite el lujo plagiar lo que todos han plagiado ya en el más reciente cine de aventuras: las grandes panorámicas se ofrecen como Peter Jackson las rodó para su trilogía de El Señor de los Anillos, con un amplio movimiento circular que permita ver todo el horizonte. Ya no hay caminar de protagonistas en este tipo de cine que no haga clara referencia a la visión cinematográfica de Tolkien. Ya no se puede planificar una escena así de otro modo. El propio Emmerich se plagia a sí mismo en el tramo final de la película, donde es inevitable recordar algunos momentos de Stargate.

Una curiosidad para acabar. Durante toda la proyección de 10.000, tuve la sensación de que había visto antes a la actriz protagonista. Su nombre es Camilla Belle y tiene 21 años. Demasiado joven para recordarla por alguna película reciente, pensé. Y me puse a buscar es su filmografía. Y entonces me di cuenta. ¡Camilla Belle es la niña que aparece al comienzo de El mundo perdido, la secuela de Parque Jurásico! Cómo pasa el tiempo, madre mía...

'2001' se queda totalmente huérfana

Años después de que muriera Stanley Kubrick, 2001: Una odisea del espacio se ha quedado totalmente huérfana. La muerte de Arthur C. Clarke es el adiós de uno de los padres de la ciencia ficción del siglo XX. Era un visionario, un hombre adelantado a su tiempo. Quizá no un grandísimo escritor (aunque esto, como todo lo que tiene que ver con el arte, es discutible), pero sí un tipo de una imaginación prodigiosa. Y a él, además de a Kubrick, se le debe uno de los más grandes e importantes iconos de la historia del cine (y no sólo de la ciencia ficción).

Y es que 2001 no es sólo una película de ciencia ficción. Es, para empezar, una visión del futuro. Clarke publicó en 1948 El centinela, un relato que se convirtió en la base de 2001. Kubrick convenció al escritor para hacer juntos y al mismo tiempo una novela y una película. Ocho meses trabajaron juntos para presentar un guión a la Metro Goldwyn-Mayer. Y cuando dos genios trabajan juntos, lo normal es que acaben distanciados. Kubrick introdujo cambios en el guión y Clarke se centró en su novela, que se publicó muy poco después del estreno de la película, en 1968.

Como prueba de la visión de futuro de 2001, aquí va un párrafo de la novela. "Hizo aparecer (en su pantalla) los principlaes diarios electrónicos del mundo; sabía los códigos de los más importantes de memoria. Mantenía la portada en pantalla mientras recorría rápidamente los titulares en busca de las noticias que le interesaban. Cuando las pinchaba, el rectángulo del tamaño de un sello se expandía hasta llenar toda la pantalla y podía leerlas cómodamente". Y después añade: "Cuanto más maravillosos eran los medios de comunicación, más triviales y deprimentes parecían ser sus contenidos". No sólo predijo cómo sería Internet, sino que se aventuró a calificar cómo serían sus informaciones. Y estábamos a finales de los años 60.

Decía Clarke en su 90 cumpleaños (que lo celebró el pasado 16 de diciembre, bien poco antes de su muerte) que uno de sus pesares era no haber visto en vida pruebas irrefutables de la existencia de vida extraterretre. Seguro que alguien se lo acaba contando, esté donde esté. Hasta siempre, visionario.

Adiós a la Criatura de la Laguna Negra

Si escribo que ha muerto Ben Chapman seguro que nadie sabe de quién estoy hablando. Lo triste es que seguro que mucha gente tampoco sabrá mucho más si digo que era el hombre que estaba dentro del traje de la Criatura de la Laguna Negra, en la película que en España se tituló La mujer y el monstruo. Es un pequeño clásico de terror de los años 50 que no demasiada gente conoce y que, dentro de la incultura de cine clásico que se propaga cada vez más, cada vez conocerá menos gente. Pero el caso es que Ben Chapman ha muerto a los 79 años. Es el responsable de un pequeño gran recuerdo de mi imaginario fantástico. Y por eso quería recordar su figura y la película.

La mujer y el monstruo se estrenó el 5 de marzo de 1954. Hoy se considera a este título como parte de los clásicos de terror de la Universal (y como tal se comercializó en la colección de DVDs que vio la luz hace unos años), a pesar de haber sido rodado dos décadas más tarde que los títulos más emblemáticos, el Dracula de Bela Lugosi o el Frankenstein de Boris Karloff. El director fue Jack Arnold, director clásico de fantasía de los años 50, responsable de películas como El increíble hombre menguante o Tarántula, que acabó su carrera en televisión. La mujer y el monstruo fue una de las primeras películas en rodarse con la técnida de 3-D.

Ben Chapman no era un actor. Él fue quien dio vida a la Criatura de la Laguna Negra en las escenas rodadas en superficie. Para las (impresionantes para la época) tomas bajo el agua se contó con Ricou Browning, un nadador profesional que tuvo que aguantar la respiración hasta cuatro minutos para que se pudiera cumplir el deseo de que no se vieran las burbujas de oxígeno bajo el agua. A Chapman le pagaban 300 dólares a la semana por enfundarse el traje del monstruo. No tuvo nunca una carrera en el mundo del cine, apenas un par de pequeños papeles. Pero siempre será la Criatura de la Laguna Negra. La gente le recordaba por ello. Le pedía autógrafos, se hacía fotos con él y acudía a convenciones con cierta regularidad.

No deja de ser curioso que Hollywood esté preparando para este mismo año un remake de La mujer y el monstruo. Breck Eisner (Sahara) será su director. La criatura la encarnará Brian Steele, un tipo con mucha experiencia bajo el maquillaje de monstruos de cine. No en vano ha participado en las dos películas de Hellboy (la segunda llegará este mismo año a las pantallas) y Underworld o en La joven del agua. No es que un remake de este tipo me inspire mucha confianza, pero sólo por el cariño que le tengo a la película original es más que probable que la vea.

'Interview': La imagen engaña

Interview es una película muy notable que no demasiada gente conocerá. Para darle el valor que merece, hay que comenzar diciendo que es un remake de una película holandesa del mismo título, dirigida en 2003 por Theo Van Gogh, ese realizador que fue asesinado en 2004 por un islamista holandés de origen marroquí. Steve Buscemi, uno de los actores favoritos del cine independiente norteamericano, ha dirigido este remake, el primero de una serie de tres interpretaciones en Estados Unidos de películas anteriormente realizadas por Van Gogh. Buscemi se reserva para sí mismo el papel principal de la película.

-

La historia que cuenta es, en apareciencia, sencillísima. Un periodista político se ve degradado a entrevistar a una joven actriz, protagonista de culebrones y películas de terror. El encargo le parece aburrido y banal, y muestra total desinterés durante la entrevista. Por eso, la personalidad del periodista no tarda en chocar con la de la actriz, pero, poco a poco, la situación se va transformando. La guerra entre periodista y actriz se convierte en una guerra entre dos personalidades más parecidas de lo que parecía y, sobre todo, en una guerra de sexos. Ni ella ni él son personas tan seguras como aparentaban al principio, ni ella ni él son lo que aparentan en absoluto.

-

Y es que la imagen engaña. Sienna Miller tiene una imagen. Es una guapísima actriz de 26 años que, hasta hoy, es mucho más famosa por las noticias que genera más allá de la pantalla, primero su relación con Jude Law, ahora su futuro matrimonio con Rhys Ifans, que su trabajo como intérprete. Con una filmografía en la que aparecen películas como Casanova o el remake de Alfie, no había conseguido llamar la atención como actriz. Interview es la primera película que veo en la que Sienna Miller es la protagonista (también la vi en Stardust). Y la impresión que me ha provocado es fabulosa. Crea un personaje creíble e intenso, hace una interpretación de lo más interesante y a la vez provocadora. Es capaz de cambiar de registro con una gran naturalidad. Una mujer sexy en el aspecto físico, pero también una mujer interesante en otros planos. Brillante de verdad. Y toda una sorpresa, precisamente por esa imagen que tiene.

-

Buscemi también tiene una imagen, ya lo he mencionado más arriba. Es un icono del cine independiente. Pero para poder dedicarse a ese mundo, trabaja habitualmente en otro tipo de cine mucho más comercial. Es bastante frecuente verle prestando su voz a personajes a dibujos animados (Monster House no hace mucho) y ha aparecido, se supone que sólo para ganar dinero, en películas como La isla, un par de entregas de Spy Kids o Armageddon. Su imagen aquí no engaña. Es un actor que impresiona en cada papel que hace. En Interview impresiona con registros muy diferentes de los que enseñaba, por ejemplo, en Fargo o El gran Lebowski. Pero impresiona. Es un muy buen actor. Y también un competente realizador. Interview es su tercera película como realizador, la primera que veo. Y me lo apunto para el futuro.

-

Además de por su dirección y por sus interpretaciones (de los dos personajes que copan la práctica totalidad de la película) Interview engancha también por un guión muy inteligente (cuyo verdadero valor, como el de la película en su conjunto, depende de lo que suponga la película original, que no he tenido el placer de ver). Da gusto ver una historia tan centrada en el desarrollo de los personajes y de las situaciones. Da gusto escuchar diálogos inteligentes y apropiados. Interview, que no deja de ser una película independiente, con todo lo que ese supone de límite a su distribución y difusión, se convierte en un título muy recomendable. Enseña mucho sobre la vida, sobre el periodismo y sobre el show business. 80 minutos de muy buen cine.

'Watchmen', las primeras fotos y la comparación con el cómic

Que el cómic es una fuente de inspiración para el cine ya no es noticia. Que Watchmen, LA Novela Gráfica por excelencia y en mayúsculas, tenga su película sí lo es. Luego explico de qué va esto de Watchmen, pero primero os pongo las fotos de cinco de los principales personajes (junto al nombre del actor que lo interpreta), que acaban de difundirse, y la comparativa con las viñetas.

RORSCHACH - JACKIE EARL HALEY

BÚHO NOCTURNO - PATRICK WILSON
ESPECTRO DE SEDA - MALIN AKERMAN

OZIMANDIAS - MATTHEW GOODE

EL COMEDIANTE - JEFFREY DEAN MORGAN

¿Qué tiene Watchmen de especial con respecto a otros cómics? Absolutamente todo. Para muchísima gente, se trata de la mejor novela gráfica que se haya publicado jamás (yo no soy capaz de decidirme entre ésta, V de Vendetta y El regreso del Señor de la Noche, la dos primeras de Moore y la tercera de Frank Miller). La revista Time la incluyó en la lista de las 100 mejores novelas escritas en lengua inglesa desde 1923, lista que hizo en 2005. Es la única novela gráfica que aparece en ese centenar de títulos. Y fue la primera de esta género en conseguir el Premio Hugo, concecido a autores de ciencia ficción y fantasía.

-

Watchmen es la historia definitiva del género de superhéroes, realizada con personajes ajenos a los más conocidos del género y ambientada en una época en la que todos ellos están retirados. El cómic trascurre en 1985 (fecha que, seguro, se cambiará para el film para hacerlo más futurista), en un Estados Unidos que se encuentro a punto de entablar una guerra nuclear con la Unión Soviética. La obra constituye una ruptura sin precedentes del mito del superhéroe, dotándole de problemas muy humanos, sin olvidar la eterna lucha del bien contra el mal con el futuro del mundo en juego. Es un guión apasionante, brillante, una inteligente mezcla de géneros y de estilos. Una obra de arte.

-

Su guionista fue Alan Moore, un tipo que se lleva muy mal con Hollywood, pero que ya ha visto como varias de sus novelas gráficas saltaban a la gran pantalla. La más reciente y la más lograda, sin duda, es V de Vendetta, sobre todo tras los fallidos intentos de adaptar From Hell y La Liga de los Hombres Extraordinarios. El dibujo corrió a cargo de Dave Gibbons, que sí figurará acreditado en la película, al contrario que Moore, que rechaza toda relación con cualquier película que se haga de su trabajo. El cómic fue una miniserie de 12 números, después recopilados en un solo tomo (una magnífica edición se publicó en España hace no demasiado tiempo).

-

Cuando se anunció que se iba a hacer una adaptación cinematográfica, el mundo comiquero se echó a temblar. Es dificilísimo hacer una película de Watchmen, una obra tremendamente densa y compleja, con la que Moore trató de superar el tópico del infantilismo del cómic. Insisto, dificilísimo. El director es Zack Snyder. Conocer su nombre tranquilizó mucho a la gente, sobre todo después de su brillante adaptación de otro cómic, 300, de Frank Miller. Pero la tarea sigue siendo ingente. Las primeras fotos tienen muy buen aspecto (salvo las dudas que despierta Ozimandias, ya que el look recuerda demasiado a los nefastos Batman que hizo Joel Schumacher) y prometen, pero Watchmen es mucho más que su imagen. Muchísimo más.

-

El estreno de la película está previsto para el 6 de marzo de 2009. Estaremos muy atentos. Porque, como decía la propia novela gráfica, en una frase que se ha apropiado la promoción de la película... "¿Quién vigila a los vigilantes?".

Entretenido 'En el punto de mira'

Muchas veces me he planteado lo fácil que es masacrar una película en una crítica, en unas pocas líneas. Al fin y al cabo, qué importa censurar el trabajo de personas que ni me van ni me vienen, ¿no...? En el punto de mira es una película que se presta a una crítica agresiva, fácil, dura, que corte de cuajo toda la ilusión que pueda despertar en un potencial espectador que no tengo muy claro si ir a verla o no. Podría decir que es previsible, que la historia y muchos detalles son absolutamente inverosímiles, que no es más que otra peliculita de acción de Hollywood, un género que es fácilmente despreciado desde muchos ámbitos, que la comparación de su estructura narrativa con el Rashomon de Akira Kurosawa no se sostiene...
-
Eso sería lo fácil. Poner el listón elevadísimo para una película que sólo busca hora y media de diversión. Pero es que me lo he pasado muy bien viéndola, así que voy a ir contracorriente y voy a proclamar que es un entretenido filme de acción que, con todas sus limitaciones, deja muy buen sabor de boca. Una película de acción que sabe que no puede ir más allá de la hora y media y no se eterniza inútilmente. Un trabajo, el primero en Hollywood del director Pete Travis (Omagh), que no engaña, que sabe lo que ofrece y lo vende bien. Y que, por encima de todo, demuestra que el cine de Estados Unidos ha superado el miedo post 11-S, que ya no se asusta como hace pocos años en mostrar los resultados de atentados terroristas. Y eso no es poco en los tiempos que corren.

-

No es un ejercicio filosófico profundo, que nadie espere algo así. Pero la estructura de la película es brillante, está bien resuelta, y culmina con una gran persecución automovilística, de esas que emocionan, bien rodada y bien montada. Lo que se nos cuenta nos lleva a Salamanca. En la ciudad española se celebra una cumbre mundial contra el terrorismo. Y en plena Plaza Mayor, cuando se está inaugurando esa cita, el presidente de los Estados Unidos es tiroteado. Ese mismo relato lo vemos, sucesivamente, desde el punto de vista de ocho personajes que tienen mucho que decir en su desarrollo y en su desenlace. La estructura funciona a la perfección. Poco a poco se deslizan pistas y elementos clave para desentrañar el misterio de lo sucedido. Y engancha, la historia engancha mucho. Por muy inverosímil que pueda ser, que lo es. Pero, al fin y al cabo, es sólo una película.

-

Como decía, la historia tiene lugar en Salamanca. Pero que nadie busque elementos de la ciudad charra en la película más allá de su plaza mayor. En el punto de mira está rodada en México y, de hecho, el ambiente es demasiado chicano, a pesar de que, de vez en cuando, se deslice alguna expresión española, española (no tiene precio ver a un conductor gritando desde su coche "atontao" o a otro salir y decirle a Dennis Quaid "qué pasa, hombre"). Eso sí, es muy curioso ver planos de la Plaza Mayor repletos de banderas españolas ¡e incluso ver dos banderas de Castilla y León!. Pero el detalle que más me ha gustado es ver, entre los manifestantes contra Estados Unidos una pancarta con el lema No en mi nombre, tan utilizado en aquellos días previos a la guerra de Irak. Alguien de producción ha hecho bien los deberes para incluir esa pancarta.

-

Además de la estructura (que hace que la película sea bastante mejor de lo que habría sido narrada de forma lineal; salvando las distancias formales,un efecto parecido al de Memento), En el punto de mira destaca por un buen reparto. Dennis Quaid (siempre es un gustazo verle, sobre todo para los que hemos crecido con sus películas de los años 80, como Enemigo mío o El chip prodigioso), Forest Whitaker (quizá el personaje más prescindible), William Hurt, Sigourney Weaver... y Eduardo Noriega, en su primera experiencia al otro lado del océano. El del español es el papel quizá más inconsistente de la película, pero no desentona y eso siempre es positivo. Y disfruté con la pegadiza música del islandés Atli Orvarsson, un nombre más de la factoría musical de Hans Zimmer al que habrá que seguir para ver si confirma las expectativas.

-

He escrito sobre lo mejor de En el punto de mira porque yo me lo pasé bien. ¿No es eso lo mínimo que le podemos pedir a una película...?

10 PELÍCULAS... nominadas al Oscar y no lo ganaron, por sorprendente que parezca

Han sido muchísimas las películas que han pasado a la historia del cine y no han ganado el Oscar. No es algo nuevo de este año, ni muchísimo menos, que una película que no suscita un respaldo mayoritario de la audiencia o de la crítica se alce con el mayor galardón de la Academia norteamericana. Muchas grandísimas películas ni siquiera llegaron a colarse entre las finalistas. Pero hay otras que, recibiendo la nominación a la mejor película, no lograron el premio. Podría haber incluido La bella y la bestia, Toro Salvaje, Un tranvía llamado deseo, Apocalypse now, La gata sobre el tejado de zinc, Dos hombres y un destino y otras muchas, pero estas son las diez elegidas que recibieron la nominación a la mejor película y vieron como otro título se llevaba la estatuilla.

CIUDADANO KANE (1941)

Una de las películas más famosas de la historia del cine y la más reconocida en los listados de mejores películas de todos los tiempos se quedaron a las puertas de la gloria en los Oscar. De las nueve nominaciones que había recibido (incluídas las de Orson Welles como director y actor), sólo se llevó una estatuilla, la del mejor guión original, que compartieron el propio Welles y Joseph L. Mankiewicz. La genialidad, la innovación cinematográfica y ese misterioso "Rosebud" se quedaron sin premio por culpa del ¡Qué verde era mi valle! de John Ford. ¿Justo? Imposible de decir, pero hoy la historia del cine no se entendería sin Ciudadano Kane.

E.T. EL EXTRATERRESTRE (1982)

Esta maravillosa fábula de Steven Spielberg marcó a toda una generación y sigue fascinando a todos los que la van descubriendo años después. No hay nadie que esté hoy rondando o superando los 30 años que no conozca aquello de "teléeeeefono... mi caaaaaaasa" o la inmortal melodía creada por John Williams. Una película mágica, única, un sueño hecho realidad con innumerables secuencias y planos inolvidables, un título imprescindible para entender la fantasía cinematográfica, la película más personal de ese genio que a tantos espectadores ha marcado, Steven Spielberg. Era la tercera vez que la Academia esquivaba el reconocimiento a este director. La ganadora de este año fue Ghandi, de Richard Attenborough.

EL GRAN DICTADOR (1940)

-

Una de las películas más valientes de la historia del cine tuvo que venir de manos de un cómico irrepetible. Charles Chaplin decidió hacer una parodia de Adolf Hitler cuando mucha gente ni siquiera veía al dictador nazi como una amenaza real para el mundo. Hitler prohibió la película en todos los territorios ocupados, pero la curiosidad pudo con él y se sabe que la vio dos veces. Pero no quedó para la posteriodad su opinión sobre la película. Recibió cinco nominaciones y no logró ni un solo premio de la Academia, que no supo entender la trascendencia de un título único y necesario. La antológica secuencia en la que Hinkel, el dictador ficticio creado por Chaplin (en su primera película sonora), juega con una bola del mundo forma parte del ideario cinematográfico del siglo XX. Al menos aquel año hubo una gran ganadora del Oscar: Rebecca, de Alfred Hitchcock.

-

LA GUERRA DE LAS GALAXIAS (1977)

-

El cine cambió para siempre cuando se estrenó la epopeya galáctica de George Lucas. Millones de personas han crecido bajo la influencia de la saga de Star Wars y muchos jóvenes cineastas de todo el mundo no tienen reparo alguno en afirmar que la eterna lucha entre el bien y el mal, entre Luke Skywalker y Darth Vader, entre los Jedi y los Sith, fueron una influencia decisiva en sus carreras. Historia pura del cine, una historia en apariencia sencilla pero tremendamente emocionante, tan entretenida como arriesgada en una época en la que toda la ciencia ficción que se hacía era catastrofista y nada optimista. Un soplo de aire fresco que se llevó por delante todos los récords habidos y por haber y creó un universo que todavía hoy fascina a casi todo el mundo. Annie Hall, de Woody Allen, fue la preferida de los académicos aquel año.
-

PERDICIÓN (1944)
-

El mejor y más importante título de cine negro de la historia del cine se quedó sin el Oscar a la mejor película por culpa de Siguiendo mi camino, de Leo McCarey. Sobra la comparación entre la influencia de una y otra. Perdición es una película fascinante por sus interpretaciones, por sus diálogos, por su puesta en escena, por su footografía... absolutamente por todo. Es la quintaesencia del cine negro y la escuela para tantos y tantos títulos que se hicieron en los años 40 y en adelante. La Academia se cebó con esta enorme película de Billy Wilder: siete nominaciones y ni un solo premio. Más de seis décadas después, éste debe quedar como una de las mayores injusticias de la historia de los Oscar.
-

¡QUÉ BELLO ES VIVIR! (1946)
-

El optimismo vital de Frank Capra llevado a sus extremos más hermosos. La película navideña por excelencia. Un relato hermoso, trágico y divertido que todavía hoy consigue emocionar a quien lo ve. ¿Cómo no comprender a este hombre, interpretado por un irrepetible James Stewart, que piensa que la vida sería mucho mejor si él no hubiera nacido? ¿Cómo no enternecerse con esa preciosa historia de amor? ¿Cómo no adorar a ese ángel que busca ganarse las alas salvando a un hombre que ha perdido la esperanza? Los mejores años de nuestra vida, de Billy Wilder, arrebató el premio a esta mágica historia que no se llevó ni un solo premio, pero que siempre tendrá un lugar en los corazones de todos los cinéfilos.
-

ROBÍN DE LOS BOSQUES (1938)
-

La mejor versión que nunca se ha hecho de la historia del forajido de los bosques de Sherwood, que robaba a los ricos para dárselo a los pobres, que defendía el reinado de Ricardo Corazón de León mientras éste luchaba en las cruzadas. La película de aventuras por excelencia, con unos maravillosos Errol Flynn y Basil Rathbone, como Robin y Gyu de Gisbourne, con una preciosa Olivia de Havilland como Lady Marian. Aventura, amor, humor y una espléndida de música de Erich Wolfgang Kornlgold, para una inolvidable película que ganó tres Oscar (dirección artística, montaje y banda sonora) pero que se quedó sin el cuarto premio al que optaba: el de mejor película. Vive como quieras, de Frank Capra, fue la ganadora de aquel año.
-

SALVAR AL SOLDADO RYAN (1998)
-

Cuando Harrison Ford salió a leer el título de la película galardonada de ese año, todo el mundo esperaba que se lo diera al filme de su amigo Spielberg. Cuando leyó Shakespeare enamorado, a nadie le extrañó que se fuera del escenario ante ese inconcebible giro argumental de la Academia. Sólo los primeros veinte minutos, el asalto a las playas de Normandia, tienen más cine del que jamás podrá soñar una comedia menor como Shakespeare enamorado. La Academia volvía a golpear a Spielberg y le privaba de una noche de gloria a pesar de lograr su segundo Oscar como director y cinco estatuillas para su película. Una dirección ejemplar, un espléndido reparto encabezado por Tom Hanks, una ambientación sublime y un mejor guión de lo que mucha gente cree avalan esta historia.
-

SOLO ANTE EL PELIGRO (1952)
-

Uno de los mejores westerns de la historia, rodado casi a tiempo real para dar realismo a la angustia de un sheriff que se va a enfrentar en solitario a la banda de un hombre encarceló años antes y que vuelve clamando venganza. Un Gary Cooper formidable (que sí se llevó el premio al mejor actor) y una hermosísima Grace Kelly no son las únicas joyas que deja un elenco de actores sencillamente espectacular. Tal fue la conjunción de genialidades, que de ninguna escena hizo falta rodar más de tres planos. Y es toda una alegoría sobre la caza de brujas del senador McCarthy. Pero el Oscar a la mejor película se fue para El mayor espectáculo del mundo, de Cecil B. De Mille.
-

TAXI DRIVER (1976)
-

La maldición que sufría hasta el año pasado Martin Scorsese con la Academia tuvo uno de sus mayores episodios con su primera gran película, Taxi driver. Robert de Niro había compuesto el psicópata más recordado de la historia del cine. Scorsese había reflejado un Nueva York tan hermoso como decandente. La violencia y la valentía de la historia le han asegurado un lugar en la historia del cine. Pero Hollywood prefirió aquel año la historia de superación de Rocky. El sobrecogedor "¿Me estás hablando a mí?" de Travis frente al espejo, empuñando una pistola, bien valía el reconocimiento de la Academia.

Oscars descafeinados

Un poco en la línea de lo esperado, los Oscars fueron un poco descafeinados. Por la huelga de guionistas y por el cine que se premió. La ganadora fue No es país para viejos. No fue una gran ganadora. Sólo se llevó cuatro de los ocho premios a los que optaba, aunque, bien es verdad, se llevó los más grandes: película, director, guión adaptado y actor de reparto. Me dio un poco de pena ver a un grande como Martin Scorsese entregando el premio al mejor director a los hermanos Coen (que no parecía que hubieran ganado un Oscar, parecía que estaban de guasa en el escenario del Kodak Theatre...) por una película que, para mí, no está ni entre las cinco mejores que han hecho (prefiero El gran Lebowski, Fargo, Muerte entre las flores, Barton Fink o su gran olvidada para casi todo el mundo, El gran salto). En realidad no veo a los Coen como material de Oscar, pero...

El corto triunfo de No es país para viejos fue el desenlace de una noche que mantuvo la emoción hasta el final. Antes de concoerse el nombre del mejor director y el título de la mejor película, las cinco nominadas tenían ya algún premio, y eso abría muchísimo el abanico de posibilidades. El premio al mejor guión para Juno me hizo pensar que la Academia iba a dar el giro más insospechado, pero al final sucedió lo más previsible, dado que Expiación quedaba fuera por la ausencia de su director y Pozos de ambición ya estaba satisfecha con el premio al alma de la película, un Daniel Day Lewis comedido que, con un sencillo gesto, se arrodilló a los pies de la reina Helen Mirren para que le armara caballero con el Oscar.

Con decir que la segunda película más galardonada fue El ultimátum de Bourne (los tres premios a los que optaba), un título que no optaba a ninguna de las categorías grandes, queda claro que fue una ceremonia muy abierta... y en la que casi todos salieron contentos. Expiación es la que más se puede quejar, sólo un premio a la banda sonora, pero la exclusión de su director entre los nominados ya apuntaba a que no ganaría. Pozos de ambición, de ocho nominaciones, sólo se llevó dos pero el premio a Daniel Day Lewis pesa lo suyo. Juno tenía tres opciones de salir satisfecha, los grandes, el guión o la actriz. Y se llevó el guión. Y Michael Clayton, pese a ser probablemente la mejor de las cinco elegidas para mí, nunca llegó a contar realmente y logró, en cualquier caso, la consolicación de un merecido premio para Tilda Swinton (y eso que decían que no era la favorita).

Pocos momentos de auténtica alegría me deja el palmarés. Aplaudí a Brad Bird cuando recogió el Oscar a la mejor película de animación para Ratatouille o cuando Sweeney Todd logró el de mejor dirección artística. Me encantó que Dario Marianelli y su Expiación fuera el ganador a la mejor banda sonora, aunque eso significara que Alberto Iglesias se quedara sin premio. Y como en las actrices no tenía favoritas, fue muy bonito ver ganar a Marion Cotillard. Y digo que fue bonito porque su emoción pareció, de largo, la más sincera de la noche. Y no sólo cuando ella misma salió a recoger su premio a la mejor actriz (que fue cuando agradeció el premio "al amor y a la vida" y dijo que "es cierto que hay ángeles en esta ciudad"). También se le escapó una lágrima de emoción cuando su película, La vida en rosa, se llevó el premio al mejor maquillaje. Eso es alegría y no la que mostraron los Coen.

La gala fue más o menos rápida (tres horas y cuarto) más por la huelga de guionistas y el poco tiempo que ha habido para preprararla que por ser una decisión deliberada. Dio un aspecto de gala de baja presupuesto pero incluso para eso hay clases y Hollywood siempre sabe cómo montar un buen espectáculo, que entretiene a pesar de la duración y de las horas a las que lo vemos en España. A mí me capturó desde el principio con un gran vídeo, montado a partir de imágenes recortadas de películas, en el que se pudo ver a personajes de títulos conocidísimos paseándose por las proximidades del Kodak Theatre (memorable el momento en el que Darth Vader y Espartaco cruzan sus espadas...). Por fortuna, no hubo que lamentar accidentes... Y es que Colin Farrell advirtió que el suelo estaba resbaladizo y John Travolta estuvo a punto de comprobarlo de primera mano...

Jon Stewart, presentador de la gala, tuvo por más protagonismo, seguramente por el poco tiempo para preparar la gala, y estuvo ágil. Se metió en los habituales charcos políticos, con un marcado toque demócrata, y dejó un par de chistes muy buenos. "Cuando se ve a una mujer o a un negro de presidente un meteorito está a punto de destrozar la estatua de la libertad", dijo a modo de respaldo a Hillary y Obama, entre las risas del auditorio. Fue genial el momento en el que habló de las embarazadas que había entre el auditorio . "La noche es joven y... bueno... Jack está ahí", dijo en alusión a Jack Nicholson, omnipresente todos los años en la primera fila y tan entretenido como siempre. Y fue muy divertido verle hacer gags con las nuevas tecnologías, viendo Lawrence de Arabia en su móvil o juegando a la Wii en un regreso de publicidad (¿cuánto habrá pagado Nintendo por esa publicidad...?).

No soy un experto en moda, pero en años anteriores sí me he quejado de la falta de clase que destilan las actrices modernas. No es que este año fuera excesivamente negativo en este aspecto, pero sí es verdad que la mujer más elegante y guapa de este año, como el pasado, fue Helen Mirren. Tiene más de 60 años. Toda una lección a la tiranía de la imagen y de la juventud, todo un palo a esa pléyade de veinteañeras que piensan que con enseñar escote lo tienen todo solucionado. También vi tremendamente elegante a Laura Linney (con 44 años), y entre las más jóvenes me gustó Jessica Alba (una de las embarazadas) y Amy Adams, la protagonista de Encantada. Lo que no entiendo es esa manía de algunas actrices de llevar vestidos tan ajustados que seguro que les impide hasta respirar. A Jennifer Garner le debía pasar algo así.

Y un detalle más, éste de la retransmisión de Canal +, que me dejó un poco indignado. No me voy a meter en la cantidad de veces que Angels Barceló dijo "no he visto esa película", que ya duele tratándose de los Oscar, porque entiendo que no es su trabajo habitual y que para eso estaba Jaume Figueras. Pero no entendí el enorme menosprecio que hicieron ambos a las canciones de Encantada, compuestas por Alan Menken, un tipo que tiene en su estantería ocho Oscars y ha sido nominado en otras diez ocasiones. Lo más amable que dijeron de sus tres canciones nominadas es que eran "ñoñas". Yo entiendo que tuvieran como favoritos a los irlandeses que se llevaron el premio (por cierto, ahí se vio el detalle de la noche: como la ganadora no pudo agradecer el premio después de que sí lo hiciera su compañero, el presentador le dejó que volviera a salir después del corte para la publicidad), y de hecho su canción me gustó mucho. Pero no entiendo el menosprecio a un profesional como Menken. Fue toda una sorpresa negativa.