'St. Vincent', qué fácil parece hacer las cosas bien

Hay un gozo especial en esas películas que parecen tan fáciles de hacer y que acaban llevando al espectador por la comedia y por el drama, por una historia atractiva y bien construida y por unas actuaciones que sólo van del notable al sobresaliente. Cuando se ve una película así, lo que se piensa es qué fácil parece hacer las cosas bien en esto del cine. Y luego, por comparación, es obligado proclamar que no, no es tan fácil, y por eso cuando las cosas funcionan hay que decirlo. St. Vincent es una de esas películas que deja un gran sabor de boca. No será una obra maestra indiscutible, no se convertirá probablemente en la película en la que todo el mundo pensará cuando se mencione a Bill Murray o Naomi Watts, quién sabe si incluso a su director, el debutante en largometrajes Theodore Melfi, pero será una de esas películas que acabamos viendo y disfrutando cada vez que nos encontremos con ellas, con las que pasamos con una facilidad asombrosa de la sonrisa, incluso de la carcajada, a la lágrima, porque es tan divertida como emocionalmente compleja.

St. Vincent es la historia de Vin (Bill Murray) un tipo que bebe, fuma, es antipático, tiene deudas, ve regularmente a una prostituta que está embarazada (Naomi Watts) conduce sin cuidado y dice tacos continuamente. Un tipo arisco, con el que no es agradable cruzarse. Y quien se cruza con él es Maggie (Melissa McCarthy), su nueva vecina, que se ha mudado al barrio con su hijo, Oliver (el debutante Jaeden Liberher). La película es, como casi parece obvio, una que descansa sobre los hombros del protagonista. Si él funciona, la cinta va a funcionar por encima de todos sus defectos. Y como Bill Murray es un actor sensacional, que cumple a rajtabla esa norma no escrita de que el mejor intérprete posible es un cómico cuando se toma en serio a sí mismo, borda el papel. Vin es odioso cuando tiene que serlo, pero de la forma simpática, empática y entrañable que la película exige que sea. Es imposible que esas sonrisas y esas lágrimas que provoca St. Vincent no sean reflejo de todo lo que él consigue con su actuación.

A partir de ahí se podrá pensar que estamos ante una película más o menos previsible, más o menos blanda o más o menos repetida, pero el buen rato ya se lo ha dejado al espectador. Cada descubrimiento que se hace del carácter y la vida de Vin es un peldaño más en la emoción que consigue el filme con una facilidad aplastante. Y Melfi, que también escribe el guión, muestra una habilidad espléndida para hacer lo más difícil: escribir la historia en la que se tiene que mover su personaje principal y crear un elenco de secundarios que sirva a sus propósitos. Por eso el crío es simpático, las preocupaciones de su madre acaban siendo las del espectador y hasta se siente una asombrosa debilidad por el manipulador pero terriblemente agradable profesor de religión que interpreta Chris O'Dowd, por eso divierten tanto las escenas que protagoniza Oliver en el colegio como las trifulcas de Vin en el banco (qué sutil pero qué contundente es su crítica al sistema burocrático que nos rodea, otro de esos pequeños detalles que engrandecen y dan realismo al guión).

Queda algún que otro cabo suelto en la película, por supuesto, algún punto que no termina de desarrollarse con acierto después de haberse planteado, pero eso tampoco molesta demasiado en los bien medidos 102 minutos que dura la película, que tienen el brillante colofón de unos títulos de crédito que no funden la imagen a negro hasta que no procede abandonar el mundo de Vin y que casi parece una improvisación más de Bill Murray. Da igual que St. Vincent sea una comedia dramática o un drama cómico. Lo que importa es que la historia (qué importante es siempre la historia por mucho que se destaquen otros elementos de cualquier película) mantiene el espectador dentro de ese entorno emocional que genera, y que tiene un recorrido tan largo que va desde el slapstick (los problemas de Vin con el hielo) hasta el drama más poderoso (las escenas en la residencia o el hospital), de lo más sorprendente (el giro que desemboca precisamente en el hospital) hasta lo más previsible (el emocionante acto en el colegio con todos los protagonistas).

'Hombres, mujeres & niños', difusa pero interesante

Cuando Jason Reitman se convirtió en el estandarte de un pretendido cine independiente hecho con estrellas y más dinero del que parece gracias a la simpática Juno, su carrera quedó marcada por una estigma que llegó a su cúspide en la probablemente sobrevalorada Up in the Air. Hombres, mujeres & niños, además de un título que poco avanza del contenido de su última película, es un paso curioso en su carrera, que le lleva a un cine mucho más coral de lo que ha hecho hasta ahora. Su análisis de la manera en que las nuevas tecnologías han cambiado nuestra forma de comunicarnos, relacionarnos y entretenernos, que en realidad ese es el nexo de unión entre todos los personajes que desfilan por la pantalla, es algo difuso, en algunos casos incluso pretencioso, pero no está en absoluto exento de interés. Al contrario, muchos de los temas que trata son apasionantes y los personajes están bien construidos y casi siempre muy bien interpretados. ¿Que la película deja alguna duda? Desde luego. Pero funciona más que razonablemente bien.

Reitman se centra en un grupo de chavales de instituto y sus padres para hablar de incontables temas. ¿Eso que implica? Que hay una apreciable irregularidad en el conjunto del filme. Ni se conecta con todos los personajes de la misma forma, ni todos los temas que toca la película, que son muchísimos, alcanzan el mismo nivel de eficacia. Pero dentro de esa irregularidad, inevitable ante un reparto tan coral y una historia tan ambiciosa aunque sea por extensión, el nivel es bastante interesante a todos los niveles. No es nada fácil lidiar con una película en la que tantos personajes tengan una relevancia tan marcada en la trama, al menos una docena, y que haya un equilibrio bastante interesante, incluso nexos de unión bastante fluidos entre ellos. Sólo se echa en falta alguna conclusión un poco más contundente en un caso y menos precipitada en otro, pero el guión, coescrito por el propio Reitman en base a una novela de Chad Kuitgen, avanza bastante bien.

Es verdad que en las dos horas que dura el filme hay momentos más difíciles de digerir, e incluso cierto miedo a que Reitman pierda la perspectiva con esa gran cantidad de planos en los que se pueden leer en pantalla mensajes de texto de toda clase o con esos fundidos con la parte más filosófica que quiere dar a la película (que, de hecho, comienza nada menos que en el espacio), pero hay tantos momentos que convencen a lo largo de todas las subtramas que esas pequeñas molestias no pasan de ser justo eso. Obviamente, y con personajes tan dispares, es fácil concentrarse en alguna historia por encima de las demás (y quizá lo más interesante, divertido e incluso por momentos dramático es el obsesivo control que la madre que interpreta Jennifer Garner ejerce sobre la vida de su hija en las redes sociales), pero la película pide a gritos una mirada de conjunto por la que apuesta y en la que está muy lejos de fracasar.

Adolescencia, sexualidad, paternidad, nuevas tecnologías, acoso escolar... Son muchísimos los temas que Reitman quiere abordar. La película podría haber muerto por ahí, pero no lo hace gracias a un reparto brillante (en el que lo más cojo es el intento de Adam Sandler de parecer un actor contenido, que bordea así las zonas más insulsas de la película), en el que cabe destacar sobre todo a la mencionada Garner, a la siempre interesante Rosemary DeWitt y a la totalidad de los chicos más jóvenes (Ansel Elgort, Kaitlyn Dever y Olivia Crocicchia fundamentalmente). Hombres, mujeres & niños era efectivamente una película complicada de manejar, y el mérito hay que encauzarlo por ahí. Esconde muchos momentos que desbordan realismo y que generan empatía, y su nivel de corrección cinematográfica tendría que ser suficiente para ser mejor tratada que las últimas películas de Reitman, Young Adult y Una vida en tres días.

'La señorita Julia', denso y exagerado teatro filmado

El principio del fracaso de una adaptación que pretende llevar una historia de un medio a otro reside en no entender las posibilidades y las peculiaridades que ofrece cada forma distinta de contar el mismo relato. La señorita Julia es una obra de enorme éxito desde que se representó por primera vez a finales del siglo XIX, pero el principal problema de esta adaptación que dirige Liv Ullman está en que no rompe las ataduras con su origen escénico y renuncia a contar el relato que pide a gritos el cine. Por eso, la película acaba quedándose en un largo, denso y exagerado teatro filmado que no deja buenas sensaciones. Es inevitable pensar que la cinta tiene el deseo de ser importante, de acercar al cine esa estela de prestigio que desprende el teatro para cualquier actor, pero el vaivén emocional de sus dos protagonistas es tan exagerado y a veces incluso inmotivado que resulta complicado meterse en la historia de la forma en la que lo pide la obra original, que tiene unos temas subyacentes que en la pantalla cuesta ver.

Liv Ullman respeta el original teatral, quizá con excesivas reverencias y dejando que la película avance sólo en función de los logros de sus actores. Y ahí radica uno de los problemas. Primero, por el evidente desequilibrio que hay entre Jessica Chastain y Colin Farrell, obviamente en favor de ella. A Farrell se le puede aplaudir que sea lo suficientemente valiente para buscar papeles diferentes, compañeros de reparto que mejoran su capacidad en casi todo y directores variados y de gran prestigio, pero su exageración teatral aquí es sólo eso, algo que linda con el histrionismo y que no termina de convencer. Ella está mejor, pero su reputación y su trayectoria ayudan a que el juicio sea más benevolente con ella. En realidad, ambos exageran mucho los gestos, algo que sirve mucho más en el teatro, donde el espectador de la última fila tiene que entender las emociones de cada escena sin primeros planos posibles, que en el cine. Ese es el principal problema de La señorita Julia.

Si eso sucede en una película en la que apenas aparecen tres actores (completa el reparto Samantha Morton, que es de largo la mejor, la que más transmite y la más contenida de los tres, además de disfrutar del personaje mejor medido, quizá porque es el que menos tiempo tiene en pantalla) es complicado que la historia avance como se espera de un producto cinematográfico. Ya en la primera escena, casi un monólogo del personaje de Farrell relatando hechos anteriores con los que se pretende explicar cómo es la personalidad de su oponente femenina en este juego de seducción al que se reduce la historia en esta adaptación, se percibe que el resultado no va a pasar de un teatro filmado. Con una más que correcta ambientación, como tampoco podía ser menos, pero con una sensación continua de que algo está chirriando en el conjunto. Ni siquiera el paso del tiempo (se supone que los hechos acontecen durante una sola noche) es algo que esté bien medido.

La señorita Julia pretende ser una lucha por la supervivencia, un duelo entre la clase alta que representa Julia, la hija de un barón que sólo actúa como una presencia poderosa, y Jean, un sirviente de la casa con el que juguetea desde una posición elevada y delante de Christine, la cocinera que también parece ser la prometida de Jean. Las tensiones son obvias, pero los grandes temas se diluyen, quedando únicamente el juego entre los dos protagonistas que no termina de enganchar. Si no lo hace, es por contraste. La mesura de Morthon emociona más que la exageración en la que caen con demasiada facilidad Chastain y Farrell, e incluso la propia protagonista femenina transmite mucho más con sus miradas y sus silencios que con sus palabras y sus gestos. No es fácil llevar una obra de teatro como esta al cine, pero La señorita Julia no pasa de ser una lenta sucesión de diálogos en la que nada termina de destacar al nivel de lo que se espera por el origen de la historia.